Răzvan Neagoe / Matthieu Marre, Reversing Gaze > 24.04-1.06.2025 > vernissage 24.04 à 18h
“Severe my optic nerve, I can see within”, my friend told me in a dream. Biologically, the insertion of the optic nerve is our link to the visible world, but also the one place on the retina where we cannot see – a blind spot. For the psychoanalysis, the consciousness is a kind of blind spot – one that prevents true knowledge. In order to see what is invisible, what is hidden within the depths of our psyche, we have to turn our eyes inward, to reverse the gaze.
Analog photography seems inextricably linked to what is visible, to what is there, in front of the camera. However, many photographers use it to depict inner experiences, impalpable and ungraspable. The dark chamber of the apparatus has been likened with the unconscious. The images of reality are absorbed into the camera and come out transformed, like a photographic negative developed in the dark room of our mind. Both photographers in this exhibition are concerned by things that are invisible, the secret layers of reality, that speak not to the eye but to an inner sense yet to be discovered. The “optical unconscious” as Walter Benjamin would say. Their photographs are from the same stuff that dreams and memories are made of.
Matthieu Marre (Bruxelles)
I photograph for love. For what remains and what I don’t understand. I use photography for the mystique it conceals, that of the black box that collides with the evidence of the ceaseless flow of consciousness. The black box as a doorway to the subconscious and a possible expression of the magic of existence. Games of the eye and the unconscious, of desire and death, of emotion slipping away, of time passing, of identity being invented. I’m digging a furrow at the end of which I hope for some form of decantation. In the end, all that will remain are clichés and the love that emanates from them. Only and yet. In this sense, the approach is always the same. The pursuit of Roland Barthes’ words, formulated in the course of an interview: “Each of us speaks a single sentence that only death can interrupt”. I speak of the mystical and the subconscious, that is to say, I imagine the photographic act as capable of revealing something potentially felt, but inarticulate, on the frontiers of language. but inarticulate, at the frontiers of language, the image of the link between self and other. And what are we if not beings of links? I photograph in the urgency of desire desire, in a need for collusion, in a need to anchor. And that’s why I’ve gradually focused on the people I love, the landscapes, objects and interiors whose gaze I feel on me, because it’s through them that a resonance can be established with sincerity and depth, with meaning, by minimizing pretense, preconceived ideas and obvious bullshit. Because I know part of what lies behind these characters and settings. À through shared love (just about shared, let’s be cautious) the mystery of things may have some chance of vibrating.
Răzvan Neagoe (Bucarest)
The works chosen for the exhibition reflect exposures, techniques and subjects characteristic of my artistic journey in recent years. The themes proposed for contemplation represent a territory to be continuously researched on the interior or exterior space. The image I propose is a result of fragmented visual information, which tells about the successive changes that I have memorized in a specific period or of some visual fragments part of a moment or an instant. As I have already stated, I like to “paint” in the darkroom. In addition to themes and subjects, the exploration in the dark as part of photography is brought to a territory inclined towards meditation and experiment. The Landscape-portrait, the Self-portrait-Portrait, the Chair-portrait, can be interpreted as an expression of the image rather than the image itself. The selection of the exhibited works continues my technical approach of working with defective cameras, with expired film and expired paper, and in the case of tintype with expired solutions. The interpretation of the landscape and the transformation of that frame represent the successive or alternative passage from one state to another, from one aspect to another. The chair becomes a sensory reflection of an object in our mind in the form of sensations and perceptions. And the self-portrait-portrait becomes a plastic representation of the appearance of a being. The color or black and white image can be interpreted as a brutal or rudimentary form of the encounter between the contemporary and the traditional image.
Nikoo Nateghian & Léa Falguère, Morceaux choisis > 20.03-20.04.2025
Stefano Questorio, The Instant Revealed > 23.02-23.03.2025 > https://www.photobrusselsfestival.com/
Of all the artistic forms, photography comes closest to a sacred art, in that it mobilizes an imaginary of light and revelation. Polaroid in particular, with its distinctive materiality, imbues the most ordinary, everyday scenes with an aura of sacrality. Paradoxically called ‘instant photography’, it allows us to see the mystery of the revelation taking place right under our eyes, in the palm of our hand. Seeing the image slowly appearing from the white abyss of form, each Polaroid is a miracle in itself.
By his exclusive use of Polaroid, Stefano Questorio aims to celebrate what Pasolini called “the heartbreaking, marvelous beauty of creation”. His training as a dancer and choreographer naturally led him to focus on the body and its expressive possibilities, using the self portrait as an intimate ‘diary of the soul’. Using poses and postures borrowed from classical art, he transforms the most mundane situations into exemplary narratives, in line with what the same Pasolini said, that “everything is holy”. In a series called “Transition”, he photographed his body 6 times, each frame more overexposed than the other, in a position that recalls Andrea Mantegna’s “Dead Christ”. In another, an angel is comforting a reading girl, in a modern day “Annunciation”. Another series, titled “The Adventures of Mr. Q”, stages, in a humorous yet melancholic manner, the (mis)adventures of an angel, lost in the terrestrial world.
The unpredictable chemistry of the polaroid, reinforced by the use of expired films, prevents the artist to take full control of the medium, allowing him to accept errors and accidents as part of the process. Challenging the idea of authorship, he jokingly calls his snapshots as “polaroids taken by the gods”. Functioning by the laws of serendipity, polaroids illuminate the moment with a celestial light. In that sense they are truly ‘the instant revealed’, small cracks in the veil of reality, allowing us to get a glimpse of the truth that lies behind.
Stefano Qestorio (b. 1968) is an italian photographer living and working in Bologna. After graduating at the Department of Art, Music and Performing Arts of the University of Bologna, he trained artistically as a dancer and choreographer and worked with several italian and international companies and artists including Romeo Castellucci, Peter Greenaway, Wim Vandekeybus, Carolyn Carlson, Studio Azzurro, and many others. In parallel, he developed his activity as a photographer. Since a teenager, he’s been passionate about analogue photography and darkroom work, recently focusing on instant photography, specifically polaroid. His work has been exhibited in several exhibitions, including Instant Art Arles (Rencontres photographiques section OFF), Instant Art Paris (Paris Photo off section), and published in numerous magazines including Analog Forever, Mauermag, Squaremag and others. Some of his works are exhibited at the permanent Polaroid museum curated by Stephanie Schneider (Bombay Beach, LA, USA) and a selection of his Polaroids was published in the seminal volume « Polaroid Now. The History and future of Polaroid Photography » edited by Steve Christ for Chronicle books (2021). More details at www.stefanoquestorio.com.
Florian De Schutter, Lux ex machina > 7.11-8.12.2024
« Car la nature qui parle à l’appareil est autre que celle qui parle à l’œil », sont les mots avec lesquels Walter Benjamin introduit sa célèbre notion d’inconscient optique. « Les structures constitutives – continue-t-il –, les tissus cellulaires avec lesquels la technique ou la médecine ont coutume à décompter tout cela, est au départ plus proche de l’appareil photo qu’un paysage évocateur ou un portrait inspiré. Mais en même temps, la photographie dévoile dans ce matériel les aspects physionomiques, les mondes d’images qui habitent les plus petites choses, suffisamment expressifs, suffisamment secrets pour avoir trouvé abri dans les rêves éveillés, mais qui ayant changé d’échelle, devenus énonçables, font désormais clairement apparaître la différence entre technique et magie comme une variation historique. » (Walter Benjamin, Petite histoire de la photographie)
Par son projet de macrophotographie, Florian De Schutter explore l’interaction de la lumière avec les nanostructures atomiques de la matière, donnant lieu à des phénomènes tels que la réflexion, la réfraction ou la diffraction. Son périple commence en Australie, où il photographie des opales Boulder, ces trésors ensevelies, extrêmement rares et difficiles à trouver, résultat des processus chimiques déroulés sur des millions d’années. Les surfaces microscopiques, invisibles à l’œil nu, révèlent, sous le soleil artificiel de l’appareil photographique, des étoiles et des galaxies pétries dans la matière. Le microcosme devient miroir du macrocosme d’où il tient son origine. Dans la continuité du projet sur les opales, « Ptera irida » met en lumière les étranges phénomènes d’iridescence présentes dans les ailes de libellule. Dans des conditions méticuleusement provoqués et composés, la photographie dévoile non seulement des phénomènes invisibles à l’œil nu, mais qui ne saurait pas exister en dehors du studio, dans des conditions de lumière naturelle. Serait-ce la révélation de l’inconscient optique dont parlait Benjamin ?
Le projet de Florian De Schutter est une invitation à vivre la photographie non pas comme un moyen de connaître ou reconnaître la réalité mais comme un véhicule pour arpenter le territoire des rêves éveillés. Le rêve de l’alchimiste, qui fait surgir des images et des fantasmes de la matière inerte. Le rêve du scientifique qui espère, par la photographie, découvrir des formes inconnues d’énergie. Dans cette démarche, l’acte photographique récupère sa magie initiale, puisque c’est le comportement étrange et mystérieux de la lumière qui en est le cœur.
Florian De Schutter, né en 1996, découvre le monde à travers le voyage d’aventure et les sports extrêmes. Depuis les ascensions à vélo des Himalayas indiennes à 16 ans jusqu’aux falaises verticales de calcaire et de granit, la recherche d’intensité est un leitmotiv. Il vit dans des déserts au Chili puis en Australie et ensuite étudie l’anthropologie en Autriche. Sa pratique photographique va très rapidement se détacher des styles de photographie traditionnels et s’orienter vers l’expérimentation. Il expose pour la première fois en 2017 puis expose encore une dizaine de fois, en France et en Belgique. Si ses sujets photographiés sont toujours de plus en plus petits, les tailles de ses impressions sont de plus en plus monumentales. Plus d’infos : www.floriandeschutter.com
Ioan Sbârciu, Opus Anima > 19.09-10.10.2024 > vernissage 21.09 18h-21h
Ioan Sbârciu is one of the most important Romanian contemporary artists and the mentor of a series of painters who rose to international prominence under the name of the School of Cluj. As a teacher and head of the University of art and Design, he reformed the artistic education in Cluj, and put the city on the artistic world map.
He is mostly known for his monumental landscapes where painting is treated as a continuous field of forces and energies spread over immense surfaces, as featured in his most recent exhibition at the Zuecca Projects during the Venice Biennale.
At the complete opposite, the current exhibition presents a body of works – suggestively titled „Corpus” – using hand made paper and minimal painterly interventions. The roughness of the material, the tears and the stains create a tactile surface adressed not to the eye but to a secret inner sense that the viewer has yet to discover. Using organic compounds, even animal traces, the artist aims to convey a sense of ensoulment to the inanimate matter, testifying of his faith in a common essence of all beings. Thus the artistic gesture becomes a true „opus anima”, a work of the soul, where the artist imbues the body of the work with a vital impetus, as an act of reconciliation between matter and spirit.
Ioan Sbârciu (b. 1948) lives and works in Cluj-Napoca, Romania. He graduated from the Painting Department of the « Ion Andreescu » Institute of Fine Arts in 1973, and held different teaching positions before starting his academic career in 1990 at the University of Art and Design in Cluj-Napoca (UAD), where he acted successively as Head of the Painting Department, Dean, Rector and Chairman of the Senate of the University. Sbârciu’s work has been the subject of numerous solo exhibitions and projects, including: National Museum of Contemporary Art, Bucharest (2019); BOZAR, Bruxelles, Belgium (2019); Sant’Antonio Abate, Matera, Italy (2019); Ron Mandos Gallery, Amsterdam, The Netherlands (2019); Eurojust, The Hague, The Netherlands (2019); The Art Museum Cluj (2018); Romanian Cultural Institute for Humanistic Research, Venice,
Italy (2018); Sector 1 Gallery, Bucharest, Romania (2018); Fondazione Mena, Rome, Italy (2017); Hugo Voeten Art Center, Herentals, Belgium (2015); Accademia di Romania, Rome, Italy (2015); Tarohei Nakagawa Gallery, Tokyo, Japan (2010); Kunsthalle Koeln, Germany (2003); Dresdner Bank Gallery, Stuttgart; Kunsthalle Manheim, Germany (2001). His work is included in Museums, public and private collections all over the world.
Valentin Capony, La Ronde > 24.04-26.05.2024 > vernissage 24.04 18h-21h
Comme un Don Quijotte à l’assaut des moulins à vent, l’artiste s’engage dans une quête autour de la Comission Européenne. Sa démarche est solitaire et un peu folle, car chevalier sans cheval, il enfile son harnais et traîne son bouclier par terre.
Que représente cette institution du point de vue politique, social et architectural ? Et quel est son impact sur notre vie quotidienne, en tant que bruxellois, en tant qu’européens ? Qui sont ces personnages, qui décident de notre sort, derrière cette structure de verre et d’acier ? Ce sont les questions qu’il rumine en faisant sa ronde autour du bâtiment cruciforme, en parcourant ses bordures, en essayant de saisir ses frontières.
Dans le contexte des futures élections européennes et du dangereux virage de l’Europe vers la droite, l’artiste fait littéralement « le tour de la question », en traînant sa plaque de gravure autour du palais Berlaymont. Il en reste des documents et des traces : un vidéo, une bande son, et les égratignures provoquées par le frottement du métal sur le pavé. Tous ces artefacts seront déclinés dans l’exposition, d’une manière ludique et romantique, rappelant à la fois les codes de la chevalerie et l’imaginaire des ruines.
Valentin Capony est né à Lyon en 1990. Il a étudié à l’Ecole Supérieure d’Art et de design de Saint-Etienne en France, en Chine à Great School of Fine Arts de Nanjing, et à l’Académie royale des Beaux-arts de Bruxelles. Son travail artistique est principalement axé autour des techniques de la gravure et de l’image imprimée et a été récompensé par plusieurs prix, entre autres celui de la Jeune Gravure Européenne, KOMASK à Anvers. Il travaille et expose principalement entre la Belgique et la France. http://www.valentincapony.com
LOVE HURTS avec Elyse Galiano, Nikoo Nateghian, Carine Vernon-Vicenzi et « Culottes parlottes », un projet coordonné par Valérie Provost > 14.03-14.04.2024 > vernissage 14.03 18h-21h
En ce mois de mars, mois dédiée aux droits des femmes, nous vous présentons l’exposition Love Hurts où quatre artistes puissantes, Elyse Galiano, Nikoo Nateghian, Valérie Provost, et Carine Vernon-Vicenzi, s’emparent du fil et de l’aguille, de l’encre et de la plume pour déconstruire les préjugés, les coutumes, les lois qui heurtent les femmes, et pour leur fournir des instruments d’émancipation et de libération.
« Qui aime bien, châtie bien » – des expressions comme celle-ci ont aidé à internaliser l’idée (absurde) que la violence et l’amour ne sont pas incompatibles. La plupart des violences envers les femmes ont lieu dans le cadre familial ou celui du couple, des relations censées être d’amour et de confiance. Le titre de l’exposition « Love Hurts » est à prendre au second degré, où seul le premier terme est mis entre guillemets. L’exposition dénonce les conseils, les règles, les injonctions, donnés aux femmes « pour leur propre bien », la violence de ces fausses formes d’amour qui s’impriment dans la peau et dans l’âme.
Issue d’une lignée de femmes violentées par leurs compagnons, Carine Vernon-Vicenzi interroge cette histoire filiale à travers l’installation d’une série des corsets brodés. En renouant avec une pratique transmise par sa grand-mère, qu’elle met au service de la parole d’autres femmes, elle sculpte la matière, ici le fil, en créant un lien tangible entre ces femmes ayant en commun un passé violent, en leur offrant une visibilité plastique. Voir https://www.facebook.com/carine.vernon.
Le travail de Nikoo Nateghian explore la violence insidieuse qui touche les femmes, émanant souvent des systèmes législatifs qui violent leurs droits fondamentaux. À travers une série de dessins représentant l’anatomie de l’utérus, ce projet se plonge dans les méandres de ces lois oppressives. Chaque détail anatomique renvoie à une disposition légale, soulignant ainsi la manière dont le système juridique peut être utilisé pour opprimer et contrôler les femmes.
Mystérieux et délicat, le travail d’Elyse Galiano mène un combat discret contre les pratiques et les injonctions sociétales qui enserrent et structurent la vie des femmes. En utilisant des matières naturelles, telles que les cheveux, elle se réapproprie des pratiques autour de la broderie et du tissu, par lesquelles elle met en lumière, en les travaillant, les carcans que la société a imposé/impose encore aux femmes. www.elysegaliano.com.
Culottes parlottes est un projet artistique participatif mené par Valérie Provost depuis 2019. Il se décline en ateliers créatifs et expositions. Les participant·e·s sont invité·e·s à utiliser l’objet et la forme de la «culotte» à des fins d’expression personnelle, et donc comme espace intime poétique, et/ou comme support de revendication d’égalité de genre et de visibilité des vulnérabilités. Plus d’infos : https://www.valerieprovost.net/culottesparlottes.
Patricia Todoran, The Other shape > 25.01-25.02.2024 > Vernissage 25.01 18h-21h
Photo Credit : Patricia Todoran
(Fr)Quand Pedro Pauwels se réveilla après deux mois de coma induite avec ses doigts amputés, il trouva cela tout a fait normal. Devant la caméra de Patricia Todoran il danse son expérience. À l’instar de la photo, le coma suspend le mouvement, en différant l’expérience du temps vécu. Patricia y trouve une métaphore de la chambre obscure. En Islande, elle retrouve les images du mouvement arrêté dans les formations géologiques dues à quelque ancien cataclysme. Il n’y a rien d’anecdotique dans ce paysage, juste la matière pétrifiée en étranges formes géométriques. Par la fenêtre de la chambre d’hôtel, Patricia regarde la mer agitée par l’orage, sans qu’aucun son n’y parvienne. En revoyant les photographies de Pedro Pauwels, elle se se rend compte que dans la salle il y avait un piano auquel personne ne joue.
Patricia Todoran (née en 1987) a étudié la photographie et la vidéo à l’Université d’Art et Design de Cluj-Napoca, en y obtenant également son master en 2010. Son travail porte sur l’expérience humaine en relation avec le traumatisme et l’environnement. Elle vit et travaille à Cluj-Napoca, Roumanie.
(En)When Pedro Pauwels woke up from a two months induced coma with his fingers amputated, he found this totally normal. In front of Patricia Todoran’s camera, he dances about his experience. Photography, like the coma, suspends time – the dancing body freezes in an eternal stop motion, like the portrait of the Sleeping Beauty. Patricia compares this sleep with the darkness of the photographic chamber. On the shores of Island, she found the same images of the arrested moment in the rockscapes formed after some ancient geological cataclysm. There’s nothing anecdotal in that landscape, just matter petrified in strange geometrical forms. Behind the hotel window she watches the sea, agitated by the storm, in complete silence. Looking at the photographs of Pedro Pauwels, she remembers there was a piano in the room, that nobody played.
Patricia Todoran (b. 1987) studied photography and video at the University of Art and design in Cluj-Napoca, obtaining her master’s degree in 2010. Her photographic work is concerned with human experience in relation to trauma and the environment. She lives and works in Cluj, Romania.
Lia Shvelidze, Unknown Sisters > 13.12.2023-14.01.2024 > Vernissage 13.12 18h-21h
Photo Credit: Lia Shvelidze
Espace Intermédiaire in collaboration with Eristavi Gallery and Caravan Cultura Creart Agency presents Lia Shvelidze’s first solo exhibition in Brussels, titled “Unknown Sisters”. The exhibition features recent paintings of the Georgian artist, and is held during Europalia Georgia.
Lia Shvelidze is recognized as one of the most innovative and interesting contemporary artists from Georgia. Shvelidze studied fine arts at the Tbilisi State Academy of Art and began her career as an independent artist in the Perestroika period. In 1987–1991, Shvelidze actively cooperated with the artist collectives “10th Floor” and “Marjanishvili Studio” and participated in different festivals and group shows organized in Georgia and abroad. Those years played a crucial role in the formation of her individual style and artistic interests. Up to now, the artist has held more than 50 solo exhibitions and group shows. Solo exhibitions at the Museum of Fine Arts of Georgia in 1994, at the Museum of Modern Art Baku in 2016, and a series of shows Sit Down organized at the Old Gallery (2000–2003) in Tbilisi brought Shvelidze great success and recognition. Along with her active artistic practice, for several years she worked as an invited professor of painting at the Tbilisi State Academy of Art and at the Visual Art, Architecture, and Design School (VAADS) at the Free University in Tbilisi. In 2007, Shvelidze established “The Association for the Support of Artists” and « The Art Studio for Everyone. » Lia Shvelidze’s artworks are present in both state and private museums and collections in Georgia and abroad.
The paintings presented in the exhibition “Unknown Sisters,” depict the multifaceted identity of women in our world and society. It’s like a collective portrait where each woman’s individuality is brought to the forefront. The exhibition “Unknown Sisters” aims to tell the observer another story, outside of male interpretations of femininity. All the women depicted by the artist are “unknown” to her, but in the creative process, they become very close, like friends or sisters, with very diverse personalities, emotions, and backgrounds. The paintings depict female figures in different spaces; sometimes we see them in front of the mountains, in a material or more abstract environment. The artist underlines the expressiveness of the women’s character by exagerating the forms or acknowledging the power of color and line. In doing this, Shvelidze invites the observer to explore deeper components of the female identity and subjectivity, offering a glimpse into the inner world of her protagonists’ life.
Festina Lente, Aleksandra Chaushova, Teodora Cosman, Ada Muntean > 18.10-26.11.2023 > Vernissage 18 octobre 18h-21h
Photo Credit: Teodora Cosman
Festina lente
… or the art of taking one’s time
In a fast paced society, where anxiously producing and consuming images has become the norm, these three artists have decided to take it slow, focusing on the quality of the experience of making art, as an act of meditation and devotion, rather than a means of producing aesthetic objects.
In “Slow Art: the experience of looking” Arden Reed considers art as a “dynamic, intimate encounter between object and observer”. The artwork is seen as a performative act where the beholder is invited to “perform” static objects (such as paintings, drawings, photographs etc.), which over time become events, “animated” by the observer’s imagination.
The body of works presented here is the result of such an intense and slow (and regular, and repetitive) observation, whether there are Aleksandra Chaushova’s minutiously drawn “self portraits”, or Ada Muntean’s ex-static representations or yet Teodora Cosman’s light studies. The art of looking is the first one a visual artist should practice, with the risk of loosing one’s self in the fiction within the frame.
Aleksandra Chaushova, Espèces romantiques
Le travail d’Aleksandra Chaushova trouve souvent son point de départ dans des archives et des documents : des représentations médiatiques dans des journaux, des archives architecturales, des entretiens qu’elle réalise elle-même ou, plus récemment, des brevets. La série Espèces romantiques est inspirée par L’Orientalisme d’Edward Saïd et La métaphore de l’autocolonisation d’Alexander Kiossev parmi d’autres textes. Quoi faire vis-à-vis l’exotisation à laquelle on se trouve souvent exposé en tant qu’artiste ? A quel point est-ce qu’on s’autoexotise? Comment est-ce qu’on s’encadre soi-même? La série est faite en collaboration avec les collections de vertébrés récents de l’Institut royal des Sciences naturelles de Belgique (riches en oiseaux tropiques et oiseaux d’Afrique Centrale).
Aleksandra Chaushova, vit et travaille à Bruxelles.
Son travail a été exposé à La Centrale, Bruxelles (2021, BXL Universel II), Musée M, Louvain (2021, The Constant Glitch et 2019, Burotica – exposition personnelle), Maison d’art actuel des Chartreux (2019, The Perfect Kiss – exposition personnelle), Neues Museum Nurnberg (2015, Nomination pour le Prix International de Dessin Faber Catsell), Wiels (2013, ReSiDuE) parmi d’autres.
Ada Muntean, The Absence of Desire
The mixed media installation is questioning the nature of human desire and the paradox which happens when one’s given multiple choice possibilities. The artist believes that the notions of desire and choice are connected, especially from an existential point of view. In the artworks, there are subtle elements which suggest erotic desire, decay and stages of transformation. Choice paralysis, often referred to as « analysis paralysis » or « decision paralysis, » is a psychological phenomenon in which an individual is unable to make a decision when faced with too many options. This overload of choices can lead to feelings of anxiety, stress, and a sense of being overwhelmed, ultimately hindering the ability to make a decision or take action. The absence of desire refers to a state in which a person experiences a lack of strong wants or cravings for specific things, experiences, or outcomes. In Buddhist philosophy, the absence of desire is a central concept. It is associated with the idea of Nirvana, which is the ultimate goal of Buddhism.
Ada Muntean lives and works in Cluj-Napoca, Romania. In 2009, she graduated from the Graphic Department of the University of Art and Design in Cluj-Napoca, where she later got her master’s degree in 2011 and her doctorate in Visual Arts in 2019. Personal exhibitions include Fragments from a Life I don’t Remember at Camera K’ARTE Târgu Mureș (2022), Mediating Illusion. The Temptation to Exist at Estopia Art Gallery Lugano (2022), Corporealities. Uncertain Bodies at Estopia Art Gallery Bucharest (2020), Relativity, duo show with Andreea Anghel, Nano Gallery, Cluj-Napoca, Blackout. [Follow The White Rabbit], NEW NOW Art Space, Frankfurt and Sabotage: Deconstructing The Unforeseen – Camera, Centrul de Interes, Cluj-Napoca, in 2018, etc.
Teodora Cosman, The remains of the day
The series Remains of the day, composed of photographs, videos and found objects, reflects the artist’s disposition towards static contemplation, where the homely environment becomes the theatre of epiphany. Using the most modest tools, a mobile phone, as a means of capturing the essence of things, the images reflect a spirit of observation where the act of looking precedes and even becomes self sufficient to any artistic gesture. The intimate knowledge of familiar objects and places only deepens their aesthetic significance.
Teodora Cosman graduated from the Art University in Cluj-Napoca, and currently she’s a PhD student at the University Libre de Bruxelles and the Academy royale de Beaux-arts in Brussels. She is a recipient Coups de coeur prise of the Parcours d’artistes de Saint-Gilles, and participated in exhibitions at La Maison du Peuple, Saint-Gilles (2023), Très Portraits at Pierre Papier Ciseaux (2022), Entre deux, The Cosman Foundation with Irina Magurean (2019), Supraexpuneri. Soare Dublu, The Art Museum, Cluj-Napoca, with Octavian Cosman (2016), etc. She is the founder of the gallery Espace Intermédiaire in Brussels, where she lives and works.
Julia Lebrao Sendra, Fugue en lilas > 06.09-08.10.2023 > Vernissage: 6.09 18h-21h
FUGUE EN LILAS
Au centre du centre, des petits pas qui chantent.
Voilà, un petit matin encore une fois renouvelé, une danse immobile pour ces unions possibles.
Danser ce n’est déjà plus un verbe mais un vertige qui se fait ensemble. Qui se regarde avec innocence. Comme, s’il ne se passait rien dans ce jardin au yeux primitifs. Où le soleil est comme un gros animal trop gourmand et trop jaune qui se nourrit de peaux dorées et qui remplit les têtes pleines de fleurs.
L’exposition “Fugue en Lilas” à Espace intermédiaire regroupe un corpus d’images sur la rencontre possible de deux corps, et la complicité qui peut s’en découler. Cette exposition marque également le lien et l’amour de l’artiste pour les différentes techniques d’impression. Témoignant d’un dialogue entre la main et la matière.
D’origine Franco – Brésilienne, diplomée d’un Master à La Cambre en 2018, après ses études, JLS intègre l’atelier de sérigraphie de Térésa Sdralevitch à Molenbeek auquel elle ajoute une presse de gravure. En plus de sa pratique personnelle, elle enseigne la lithographie et la sérigraphie à La Cambre et collabore avec de nombreux artistes pour l’impression manuelle de leurs projets. JLS envisage les différentes techniques d’image imprimée sous forme d’installations, à travers lesquelles le point de vue et le corps du spectateur sont parties prenantes de la création. Les images et les espaces qu’elle produit ont à voir avec l’imaginaire, le rêve, l’immédiateté, l’eau, le désir, l’onirisme, l’angoisse, la narration, la surprise et la rupture. Ainsi sa pratique défend l’imaginaire comme un engagement dans le monde, pour comprendre et essayer d’appartenir. User des capacités imaginatives non pas pour fuir le réel mais au contraire pour agir sur lui. L’alphabet de son univers prend racine dans le dessin, qui change d’échelle grâce à l’image imprimée, pour s’imposer dans l’espace du visiteur en se refusant d’ être perçu d’un seul coup d’oeil.
Formes et couleurs vibrantes submergent le spectateur et diffractent son regard. La pièce n’est en soi que l’élément déclencheur d’un dialogue entre chacun et sa propre mythologie. Elle est ainsi placée dans une évolution continue et s’envisage comme un contre-pied poétique à l’aridité d’un réel quotidien. http://www.julialebraosendra.com
espaceintermediaire.com 